BAFF ´10: The Housemaid (1960).

Gracias a la restauración de hace unos años por la fundación cinematográfica internacional (World Cinema Foundation) que se encarga de recuperar y divulgar el patrimonio cinematográfico mundial, nos llega esta película surcoreana de los años 60, que este mismo año cuenta con un remake del que hemos hablado repetidamente en el blog.


Con un estilo hitchcockniano, se nos presenta este fascinante y sombrío thriller, que hoy por hoy es considerado una de las mejores películas de la historia de la cinematografía surcoreana, y no es de extrañar, aunque, eso si, hay que mirar el contexto social, moral y político de la época, para poder obviar ciertos momentos y mensajes de la película, como él brusco epilogo final lleno de moralina; toda una advertencia para el público de la época.


The Housemaid es algo más que un inquietante, oscuro y duro thriller, es un melodrama, un relato asfixiante y pasional sobre las miserias e hipocresía de la burguesía al puro estilo de Michael Haneke (e incluso se podría ver un mensaje político y social sobre la modernización y el cambio de Corea del Sur tras la guerra), que se ve beneficiado por una majestuosa dirección de Kim Ki-young, que muestra una claustrofóbica y malsana atmosfera, por medio de los decorados (la casa en que se desarrolla la mayoría de la acción de la historia), la fotografía y los movimientos de cámara.


El reparto es excelente, a pesar que en ciertos momentos pueda parecernos algo forzadas y sobreactuadas sus interpretaciones, donde destaca Lee Eun-shim, que interpreta a la sirvienta, la catalizadora de sacar a luz todas las miserias de la familia de clase media protagonista, y en concreto de la matriarca, que está dispuesta a todo para conservar su posición social y evitar “habladurías”.

Para acabar, un par de curiosidades. Mencionar que el éxito de la época de esta película fue tal hizo que Eun-shim quedo encasillada y nunca volvió a conseguir un papel. Y la aparición de un jovencísimo Ahn Seong-gi (Silmido). El conocido y consagrado actor surcoreano, interpreta en esta película al hijo de la familia.


Puntuación 7.5/10


PD: Os dejo con un trailer de la película original y del remake.

Sailor Suit and Machine Gun. Dorama vs Peli de los 80.

Una misma historia, dos maneras de contarlas, resultados muy diferentes.

Una película de 1981 y una serie del 2006 que se basan en la novela del mismo nombre del prolífico autor Jiro Akagawa, para contarnos la historia de Hoshi Izumi, una joven estudiante cuyo padre ha fallecido recientemente. Para colmo, poco después de la muerte de este, un clan mafioso se presenta en su instituto a buscarla, y una misteriosa mujer se presenta en su casa con intención de quedarse a vivir con ella.
Los yakuza, vienen a presentar sus respetos ya que su jefe a muerto, y ella como pariente más cercano, ha heredado sus poderes y derechos. Aunque Izumi al principio les rechaza, pronto se hará cargo del clan y de sus disputas territoriales.



Sailor Suit and Machine Gun (La Película)

Todo un mundo a conocer esto de las películas “idols” en donde se engloba esta película clásica de los 80 que tiene como director al particular director Shinji Sōmai y a Hiroko Yakushimaru como protagonista, que en otro momento le dedicaremos un especial, ya que hoy me voy a centrar en comparar la película de Sailor Suit and Machine Gun de 1981 con la serie de hace unos años.


Sailor Suit and Machine Gun, superficialmente es una especie de sátira al género de los yakuza y a los cambios sociales de la época, pero es algo mas, es una cult movie, un clásico dentro del “genero” de las “idols”, una de las mejores películas del “genero”, que se sale de la formula y el esquema, gracias a la dirección de Somai mas interesado en los personajes y aportar un aire artístico a la película, con una dirección increíble, muy innovadora, repleta de planos exquisitos, silencios, “escenas congeladas”, planos secuencia larguísimos e impresionantes,……… aunque todo ello, le dé a la película un ritmo muy tranquilo, también la hace especial y muy impactante y admirable visualmente.

Así que aunque por el titulo se puede intuir una película trepidante con colegialas y metralletas, o incluso algo estilo el nuevo sello de Sushi Typhoon, esta película es todo lo contrario, y aunque la intención de la película no va más allá de traernos una ligera película de acción, se puede hacer como a lo Michael Bay, o con arte como Somai.


Hiroko Yakushimaru en esta película demuestra un talento natural increíble, con una interpretación muy natural y fresca, su personaje es el de una adolescente despreocupada y valiente, una joven que se inicia en el mundo de la yakuza sin ningún reparo y temor, toda su inocencia contrasta con la sociedad nipona de la época, y con el submundo al que se ha metido.

Hay películas por las que no pasan los años, y hay otras, como esta, que estos años la hacen aun más buena y especial.


Puntuación 7/10



Sailor Suit and Machine Gun (La Serie)

La nueva versión televisiva de Sailor Suit and Machine Gun del 2006 (en 1982 ya hubo una), consta de siete episodios de 45 min. cada uno, a ver cual es peor.
Aunque es verdad que al empezar presenta buenas maneras, poco a poco se va convirtiendo en un drama sensiblero y melodramático para todos los públicos, sin mucho más que aportar que, para algunos, ver a la estrella juvenil Masami Nagasawa (Crying Out Love, In the Center of the World) en acción.
Y es que a pesar de que tiene un muy buen ritmo, tanto dramatismo innecesario la hace muy cansina, si bien en la película original cada situación trágica era sorpresa inesperada y rápidamente se pasaba a otros temas de la trama, aquí, en la serie se regodea en ellos.


Es verdad que la historia es la misma, sin ese encanto ochentero y la magnífica y peculiar dirección de Shinji Sōmai, pero la forma de contarla es totalmente diferente, y aunque esta realizada en una época más actual y los personajes deberían ser modernos y liberares, estamos ante una historia más “anticuada” y ante todo, más moralista.
Empezando por la protagonista, aquí una mojigata sosa y enclenque, sin el carisma y atractivo de Hiroko Yakushimaru.

Lo yakuzas del clan que “hereda” nuestra protagonista también sufren su cambio, y pasamos de tener a un gay y un par de pandilleros, a unos lloricas dubitativos de su vocación como mafiosos. Además de cambiar por completo la relación entre nuestra protagonista y ellos, en la antigua podemos ver un vínculo profundo de respeto, amistad e incluso algo más, para en la más actual a un vínculo más familiar.
Incluso el malo de turno cambia, esta vez a un cambio más realista y actual. Ya no es un megalómano villano sacado de un comic, sino un político corrupto.


Pero esta serie tiene algún punto interesante, algo que la haga destacar comparándola o no con la película original, y no es una mayor profundidad en los personajes y la historia, que para nada es así, sino que sigue con un sinfín de agujeros en el guion, sino el estar ambientada en el barrio de Asakusa. Eso sí, aunque es un elemento curioso, tampoco es que nos de mayor calidad a la historia, como tampoco lo hace la presencia de unos desganados actores, que normalmente son sinónimo de calidad interpretativa, como son Ken Ogata y Shinichi Tsutsumi.


Puntuación 4/10



A continuación os dejo con unos videos de ambas adaptaciones con el memorable tema central de la película, que en su original era interpretado por la propia Hiroko Yakushimaru mientras que en la serie creo que es una versión interpretada por la propia Nagasawa Masami.

Tron Legacy. Poster.

Aun hay que esperar un año para ver la secuela de la película de culto de los 80 Tron, por lo que la información (promoción) de la película nos viene a cuenta gotas, como este poster e imagen oficial, al mismo tiempo que la sinopsis.

Tron Legacy es una aventura en 3D high-tech situada en un mundo digital como nunca fue presentado en el cine. Sam Flynn (Garrett Hedlund), un loco de la tecnología punta e hijo de Kevin Flynn (Jeff Bridges), investiga la desaparición de su padre y acaba atrapado en el mundo digital de Tron y en donde su padre ha estado viviendo durante los últimos 25 años. Junto a la leal confidente de Kevin, Quorra (Olivia Wilde), padre e hijo se embarcarán en un viaje a vida o muerte para escapar de un universo cibernético visualmente impresionante pero que se ha convertido en mucho más avanzado de lo que suponían y sumamente peligroso.



Dirigida por Joseph Kosinski e interpretada por Jeff Bridges, Beau Garrett, Olivia Wilde, Bruce Boxleitner, Garrett Hedlund y Michael Sheen, Tron Legacy pretende ser el Avatar del 2010 en cuanto a innovación en la tecnología 3D

Mientras esperamos que llegue el 17 de diciembre 2010, nos conformaremos con ver teaser promocional que salió hace unos meses y escuchando la banda sonora realizada por Daft Punk que seguro que sale antes que la peli.

Visto entre otros sitios en: http://estrenoscinema.blogspot.com/

Ink. Trailer.

Al igual que paso con The Man of Earth entre otras, Ink es una película del 2009 independiente de ciencia ficción que a raíz de las descargas (mas de 400 mil) se ha convertido en todo un fenómeno de culto y a incrementado sus ventas en DVD.

No hay duda que a partir de aquí Jamin y Kiowa Winans creadores de esta extraña película de ciencia ficción y terror, tendrán alguna oportunidad en el futuro de realizar su nueva película con mayor presupuesto y repercusión.

Cuando la luz se apaga y la ciudad se dispone a dormir, dos fuerzas emergen. Son invisibles para nosotros excepto por el poder que ejercen en nuestros sueños. Estos dos grupos combaten por nuestras almas en nuestros sueños. Una de ellas da soporte a nuestras esperanzas y nos da fuerzas para tener sueños placenteros y la otra nos lleva hacia la desesperación en nuestras pesadillas. Hay otras fuerzas en el mundo que desconocemos, entre ellas un brutal mercenario llamado Ink, que tiene la misión de ser quien nos traiga las pesadillas, pero él tiene su propios propósitos que nadie conoce.
Esta noche la ciudad duerme, pero la niña de 8 años Emma despierta en el mundo de los sueños. Antes de que pueda recobrar el aliento, es raptada por Ink de su cuerpo durmiente. Ink llevará a la niña por las muchas dimensiones del mundo de los sueños mientras que los que dan el sueño utilizan todos sus recursos para liberarla.

SITGES 09: Symbol

Sin duda después del éxito de Dainipponjin, Hitoshi Matsumoto, no podía faltar este año en el festival, con una película que era todo un misterio y de la que prometía ser todo un visionado de lo más hilarante (al final así ha sido esta película de este estrambótico cómico que siguen comparando con Takeshi Kitano).

Al igual que su anterior trabajo estamos ante una imaginativa y desternillante película de la que mejor no os cuenten nada, salvo que hay que ir muy predispuesto (y si has visto el anterior trabajo de este hombre mucho mejor), con una mente muy abierta, y dejarse llevar y disfrutar de poco más de hora y media de un sinfín de gags de lo más absurdos, irreverentes y delirantes.


Symbol es una apuesta muy poco convencional, llena de originalidad, frescura, y diversión, de la que parece se puede decir más sobre sus intenciones e importancia, pero mejor no aquí, sino en casa, entre amigos que ya la hayan visto para destripar todas las sorpresas.


Puntación: Impuntuable.

Sitges 09: Yatterman

Yatterman es una serie muy popular en Japón todo un clásico de los 70 que está teniendo una segunda vida gracias a un remake de gran éxito y a esta película de Takeshi Miike.

Cuenta la historia del trío de villanos conocido como La Banda Dorombo, quienes persiguen la leyenda de una misteriosa gema llamada Piedra cráneo que es capaz de revelar el más grande yacimiento de oro en el mundo.

La nueva película de Miike es una de esas películas que pide mucho al espectador, que se deje llevar y disfrute de toda la locura argumental y de la estridente puesta en escena, que se va a presentar durante las dos horas que dura este divertido y absurdo espectáculo. Vamos más o menos lo mismo que pedía la incomprendida Speed Racer de los hermanos Wachowski.
Sino estas dispuesto a esto, o no consigues meterte dentro de la película, está claro que huiras (como lo hizo parte del público que asistió al festival) de la sala creyendo que estas ante una tomadura de pelo y una de las peores películas del festival y de Miike (si eres fan del director).


Sin haber visto nada de la serie pero si conociéndola, te das cuenta lo que Miike ha querido hacer, un homenaje en toda regla a esta serie, siendo fiel a un anime destinado a un público infantil, pero sin olvidarse de los espectadores más adultos (hay veces que piensas que si de verdad se ha olvidado de que esta ante un producto destinado al público infantil).
Y en que presenta elementos claves del anime, frases, números musicales, gestos, cachivaches variados, ….. sino también guiños entendibles y mas disfrutables por los fans de la serie, pero en muchas ocasiones con un toque autoparódico (aunque siempre con el máximo respeto) que solo pueden pillar un público más adulto e incluso los nostálgicos de la serie.

Los personajes está muy logrados, no solo gracias al vestuario sino a la actuación de los actores que han sabido coger la esencia de estos y proporcionar su propio carisma a unos personajes muy difíciles de interpretar principalmente por su ridiculez. Destaca sin duda, Kyoko Fukada (Dolls) como Doronjo, una malvada sexy y “muy inocente”.

La película repleta de gags y acción, abusa de los decorados delirantes, los mechas y vestuario retro, y de los efectos especiales realizados por ordenador, para conseguir un efecto más cercano al anime, con explosiones de color, ruido y exceso, mucho exceso.


Si duda Yatterman será más apreciada por los fans de la serie de animación que por los fans de Miike, pero eso no quita que los demás no podamos disfrutar de ella si le seguimos el juego y nos disponemos a visionar sin ningún tipo de complejos de este divertimento visualmente increíble y extravagante.


Puntuación: Impuntuable (para mi para bien)

Bullet Train de Sonny Chiba

Manga Films nos trajo hace más de un año una colección dedicada a este mítico actor japonés, Sonny Chiba, en la que se incluye esta película sobre un grupo terrorista que coloca una bomba en un tren bala y que estallaría si el tren baja de 80 km / hora, a menos que les den una suma importante de dinero.

Con una trama que puede recordar a Pelham uno, dos, tres de Joseph Sargent (basada en la novela de John Godey) y a la posterior Speed de Jan de Bont, se nos presenta esta entretenida película en la que no es Sonny Chiba más que un secundario (con un papel muy decepcionante por cierto).

Esta película setentera, con cierto aire a los clásicos de la época norteamericanos de catástrofes, nos presenta con un ritmo algo lento (con pocas pero excelentes y trepidantes escenas de acción) una historia de suspense (con un poco de crítica social y política) en donde diversos organismos de seguridad y el personal ferroviario, debe enfrentarse a una terrorífica amenaza perpetrada por unos delincuentes atípicos.

El verdadero protagonista es ni más ni menos que otro actor mítico, Ken Takakura, haciendo un trabajo increíble como un atípico villano, muy humano y torturado, con el que es muy fácil conectar.
Su historia y la psicología de su personaje (como el de los demás) se nos va desarrollando y profundizando al mismo que lo hace la película, tanto por el transcurso de los hechos como por medio de flashbacks.


Puntuación 5/10

This is Spinal Tap.

Divertida película de los 80 dirigida por Rob Reiner e interpretado por Michael McKean, Christopher Guest y Harry Shearer, que descubrí gracias a Yorick, y en ella se nos narra de forma de falso documental la gira americana del 82 de un grupo de rock ficticio, Spinal Tap.

Con un tono paródico se nos presenta esta curiosa película llena de clichés del mundo de la música y las estrellas de rock, los comienzos, sus vidas privadas, sus peleas internas, su egolatría, …… Retrata el mundo del rock aunque de forma paródica con gran exactitud, de tal manera que puede confundir y no saber si estamos ante un “chiste” o un homenaje, y quizá por ello fue acogida de manera tan fría (e incluso con cierta polémica), sin embargo con el tiempo ha pasando a considerarse como es debido.


Los actores están estupendos en excéntricos personajes dándonos actuaciones de lo más entrañable e hilarantes, representando a esos excéntricos rockeros de los 80 de manera fidedigna tanto en actitud como en vestuario (maquillaje, mallas, ….).
A pesar de no haber sido todo un éxito los actores decidieron pasárselo en pipa y cogieron el gustillo a eso de tocar en una banda porque llegaron a formar en la realidad Spinal Tap, no solo para la banda sonora de la película sino mas álbumes y tocando en conciertos en directo y todo.

This is Spinal Tap es una divertidísima película, una cult-movie que aun no es tarde para descubrir.


Puntuación: 7/10

Programa Doble. Gone in 60 Seconds y su Remake.

Gone in 60 Seconds

Curiosa película independiente de los años 70 que ha acabado convirtiéndose de culto con el paso de los años y que se valora más por lo que dio de sí posteriormente (ser uno de los referentes a la hora de realizar persecuciones de coches) que la película en sí.

Maindrian Pace trabaja como investigador de seguros durante el día, pero nadie conoce que en realidad su verdadero oficio es robar autos de lujo. Maindrian recibe un jugoso contrato por parte de un narcotraficante sudamericano; le abonará medio millón de dolares si le entrega un lote seleccionado de deportivos, limusinas y autos especiales para dentro de una semana. Aprovechando sus vínculos dentro de la empresa de seguros en la cual trabaja, Maindrian obtiene la mayoría de los datos necesarios para ubicar los coches de la lista. Pero el más difícil resulta ser un Mustang dorado 1973, al que le llaman en clave Eleanor. Dejando el robo del Mustang para el final, Maindrian y su equipo siguen con la tarea de recolectar autos. Uno de ellos es un Cadillac que debía haber pertenecido a un narcotraficante y cuyo baúl se encuentra cargado con varios kilos de heroína. Maindrian se deshace del coche pero su mano derecha, Eugene, no le perdona la oportunidad de haberse hecho millonario con la droga; y, por despecho, terminará por alertar a la policía al momento en que Maindrian se prepara para robar a Eleanor, el ultimo coche de la lista.


H.B. Halicki es el artífice de esta película, un amante y coleccionista de los automóviles que decidió crear esta película, dándole un buen resultado tanto económico como posteriormente “artístico”.
La película es amateur completamente, los intérpretes son el propio Halicki y amiguetes, la película esta guionizada y dirigida por el mismo, por lo que no hay que pedirle mucho, ni grandes actuaciones ni un guion mas allá de simplista y sin profundización en la historia y los personajes, además de estar lleno de agujeros.
En lo que si destaca, y esa es la intención verdadera de Halicki al realizar esta película, es en las persecuciones, llegando a durar la ultima hasta 40 minutos. Esta es increíblemente espectacular, emocionante, y muy real, en donde vemos al propio Halicki conducir (se lesiono en diversas ocasiones) y destrozar poco a poco el coche con cada golpe que recibe.

Gone in 60 Seconds no es para nada una gran película pero entretiene lo suficiente para no parecer que hayas perdido horas de tu tiempo viéndola, además hay que valorarla como lo que fue y lo que ha aportado al cine.


Puntuación 4.5/10

60 Segundos

Este remake innecesario (como casi todos) no sirve ni siquiera para homenajear la original ya que aparte de que tiene que robar coches y el titulo, no tienen nada que ver una con otra.

Randall "Memphis" Raines es un ex ladrón de autos, afamado entre sus pares por robar un auto en sólo "60 segundos", de ahí el título del filme, el cual está retirado y dedicado a enseñar karting a un grupo de niños. El que sigue sus pasos es su hermano Kip que está en problemas debido a que un robo de autos a gran escala está fracasando por su culpa. Raymond Caltiri el jefe de la operación ha puesto precio a la vida de Kip, robar cincuenta autos en tres días o muerte. Para llevar adelante el robo recurrirá a su hermano, el que a su vez intentará reunir su antigua banda para salvarlo.
El tiempo corre de prisa, no todos están y la vida de su hermano peligra. El antiguo y obvio detective Roland Castlebeck, intuye que "algo" pasará, ya que desde hace mucho no se veía con "Memphis". La preparación de los robos está en marcha,. Pero tendrán sólo una noche para cumplir con la meta o esperar la muerte de Kip. Entretanto se encontrará con "Sway" la mujer que se alejó de él sin mayor explicación y el viejo mecánico Otto Halliwell, capaz de reconstruir el auto más deteriorado y pieza clave en la recolección de los cincuenta sofisticados modelos que deben robar.


La película tiene todos los ingredientes para convertirse en una adrenalinita película, coches rápidos, mujeres guapas, hombres duros pero con buen corazón, persecuciones, explosiones, una banda sonora moderna, … ; pero su falta de ritmo y su guion mal desarrollado tanto en los estereotipados personajes a los que les falta carisma y veracidad por todas partes, como en la pobre historia, a la que no se puede aportar nada bueno y con personalidad a su sencillez.
Es que la película ni siquiera se puede destacar por la acción, por las persecuciones de coches, ya que no solo es predecible en todo momento los siguientes movimientos a seguir, sino carecen de suspense y emoción. Es triste pero cierto, tanta “rapidez” de cámara, tanto nuevo efecto y demás artilugio e innovación actual, no hacen sombra a las persecuciones de la original (que como ya he dicho más arriba, es lo único destacable de esa)

Esta versión del 2000 está dirigida por Dominic Sena, un mal director megalómano con intención de ser ser un nuevo Michael Bay y protagonizada por un pasado de vuelta Cage, un tontaina como siempre que es Giovanni Ribisi, una sexy Angelina Jolie antes de convertirse en anoréxica, un ex-doctor Christopher Eccleston haciendo de malo malísimo, y un contundente Robert Duvall, entre otros, que hacen lo que pueden para llevar a buen puerto sus papeles a pesar de su falta de profundidad y “escupiendo“ esos diálogos de lo mas ridículos.

60 segundos me parece intragable, ni mirandola con otros ojos, siendo tománda a la ligera como un simple entretenimiento, o como una película sin pretensiones que no se toma ni ella misma en serio, o como una parodia como algunos se atreven a catalogarla.


Puntuación. 2/10

La semana Policial (FRENCH CONNECTION)

Otro cásico del cine policiaco de 1971, que al igual que la película de Sidney Lumet, que he reseñado en este especial policial, Serpico, se basa en un caso real, el de la captura de un alijo de narcóticos en Nueva York durante los años 60 por dos policías.


William Friedkin, nos obsequia con esta emocionante película, rodaba en su mayoría en cámara en mano, con una de las escenas de persecuciones más impactantes y relevantes de la historia, y una dirección innovadora para la época.


La película valió el Oscar, entre otros, para mejor actor para Gene Hackman, en su primer papel como protagonista, que lo supo aprovechar con creces, dándole una gran profundidad, carisma, y personalidad al personaje. Un antihéroe, un personaje, excesivo, violento, obsesivo, …….
Le acompañan y refuerzan, Roy Scheider, y un excelente Fernando Rey, destacando en especial, esa escena en el metro con Hackman, en donde le hace bailar a su son.
Una salvaje, oscura y sucia Nueva York, también se convierte en un personaje más de la historia gracias al nervio narrativo (y en la cámara) de Friedkin.


La única pega que le pondría a esta película en donde se ha buscado el realismo en todo momento, es ese final tan abrupto (y algunas situaciones enrevesadas), en el que parece que se le hubiera acabado el presupuesto y decidieran dejar a medias. Y no me refiero a la resolución de la historia, ya que se basa en un caso real, y se mantiene fidedigno a ello, sino al desarrollo y punto final de dicha resolución.

Un buen y trepidante thriller policiaco que no ha envejecido ni pizca, y que a pesar de las pegas, hay que verla como lo que es, un gran valor y ejemplo cinematográfico de la época de los 70, y un ejemplo e influencia para futuros cineastas.


Puntuación 7/10

La semana Policial (SERPICO)

Empiezo la semana especial que dedico al género policiaco, al que como ya sabréis, aquellos que me siguas, es uno de mis géneros (si se le puede llamar genero) favorito, y si es de polis corruptos, mejor que mejor.
Aunque, sin duda, disfruto como nadie de las película de policías de tiros y mas tiros, a lo que me refiero, lo que de verdad me gusta y me interesa, son de thriller o dramas, en donde predomine y se presente el día a día de estos, y dualidad de sus trabajos y los personajes, y demás, estilo “Canción Triste de Hill Street”, “Policías de NY”, ……….
Por ello, que mejor que empezar con Serpico, una película de un policía honrado, en un época de corrupción, y dirigida ni mas ni menos que por Sidney Lumet, director de diversas y buenísimas películas del género, y considerado uno de los máximos exponentes del thriller de los años 70.

La película relata la vida de Frank Serpico, un policía de los años 70, que ve como es repudiado en su trabajo, no solo por su forma de ser, independiente y algo hippy, sino por su honradez en una época en que los sobornos, eran de lo más normal. A pesar de la decepción y el malestar en general, que le causa su trabajo, el quiere ser un buen poli, por lo que no dejara que el pisoteen, con ello no quiere ser un “héroe”, sino, simplemenete realizar su trabajo como toca, algo que no se le será facil.

Lo verdaderamente terrorífico de esta historia, es que esta historia, se basa en la vida real de Serpico, que fue llevada a una novela anteriormente por Peter Maas.
Pero a pesar de todos los elementos cinematográficos que se hayan incorporado, para causar el efecto deseado, Lumet, da una gran importancia a los detalles y la profundidad de la historia y del personaje central, además de una atmosfera de pesadumbre, logrando, un gran realismo y crudeza.


Al Pacino, encarna a Serpico de manera magistral, tanto a la hora de la caracterización física, como a la de mostrar su carácter independiente, autodestructivo, y sus sentimientos, y sensaciones, como sus miedos, motivaciones, sueños, deseos, inquietudes, decepciones, …………… Dándole con todo ello, una increíble veracidad al personaje y a la historia.
Al Pacino, es el protagonista absoluto de la historia, los demás personajes solo están de mero acompañamiento (incluso, se les relega a un según plano totalmente, al no ser apenas desarrollados profundizados). Tanto él cómo su personaje son omnipresentes, y Pacino, lo aprovecha para darnos, lo que podría ser, una de sus mejores actuaciones en el cine, que he podido ver.

Serpico es una gran película, sobre el sufrimiento y frustración de un personaje, además de una aguda crítica a la corrupción policías de los 70, a la que, quizá, solo se le puede reprochar, un ritmo algo sosegado.


Puntuación 7/10

LA CARRERA DE LA MUERTE DEL AÑO 2000.

Un nuevo título de culto de la serie B, que como es habitual se presenta como una película caposa, con una estética futurista fascinante.

La historia con cierto estilo a Los Autos Locos de Hana & Barbera pero con mas dosis de gore, nos cuenta como los habitantes de las Provincias Unidas de América (antes Estados Unidos), cansados de tantas guerras y de la depresión económica, sólo encuentran interés en la carrera automovilística que se celebra en el país cada año. Una carrera donde cada persona atropellada puntúa positivamente y gana aquel que acumule más víctimas al final de la misma.


Antihéroes sadomasos y diversos personajillos mas bizarros, coches y escenarios de cartón piedra, sucesos inverosímiles, violencia, sexo light, mucho humor negro, vestuario estrafalario, música de los setenta, efectos especiales retro, ……. Con esto, nos encontramos en esta, entretenida y sin pretensiones, película de mitad de los 70, que tiene como mensaje camuflado, el exceso de violencia, y la manipulación del pueblo por parte del poder, por medio de los medios de comunicación.

Los actores están terribles, aunque no es de extrañar, tanto por sus caricaturescos personajes, como su poco talento en la interpretación; un Stallone antes de ser famoso por Rocky, y un David Carradine que sale más airoso, tanto por el aire de misterio de su personaje, como el propio carisma que desprende, por regla general.

Roger Corman produce esta pelicula de Paul Bartel, que destaca en especial por su direccion, que se basa en un relato de ciencia-ficción de Ib Melchior. La inventiva manera de estar rodada, de manera en que nosotros somos unos espectadores más de la carrera, disfrutando de la velocidad y la violencia.


La carrera de la muerte del año 2000, debe valorarse por lo que fue en su día, lo que dio de sí, como por ejemplo, ser una influencia para la posterior Mad Max, o videojuegos como Carmageddon; más que lo que es ahora, ya que se ve bastante cutre, pero aun así, divierte, gracias a su cierto encanto y a su ritmo frenético, como la primera vez, que tampoco es poco, y era el principal interés de la película en la época.

Ahora viene el remake de la película hecha por Paul W.S. Anderson y protagonizada por Jason Statham, de la que diciendo de todo menos cosas bonitas, y yo me pregunto, ¿en serio es mas mala que esta?, ¿le perdonamos a la serie b de los 80, cosas que no perdonamos ahora?. Ya os comentare cuando la vea, por le momento el encanto, y la originalidad de esta, juega en contra para la nueva película.


Puntuación 6/10

THE MUTANT CHRONICLES

Quiero empezar esta reseña dejando las cosas claras, después de todo el jaleo de que si se estrena o no al cine, ya que la productora no tenía claro que hacer con la película, es comprensible que simplemente vaya a DVD, por lo menos en USA, y eso no quiere decir que The Mutant Chronicles sea una mala película, o que no me haya gustado, sino que en la película se presentan muchas ideas, muchas buenas ideas, pero, por desgracia, no tiene ni el presupuesto ni la coherencia, necesaria para plasmarlas en la pantalla.
También tengo que admitir, que desde el principio, tengo cierta simpatía hacia el proyecto (tanto por Thomas Jane, como por la ilusión con la que se ha hecho esta película, y por, a fin de cuentas tratarse de una cinta de serie B). Por lo que he ido predispuesta a perdonarles y mucho, y que quizá, muchas de las cosas que he pasado por algo, al ver y hacer esta reseña, no se las perdonaría a un director consagrado, y a otros actores.

Mutant Chronicles, es una bizarrada retrofuturista, con un ambiente post apocalíptico mezclado con el steampunk, en donde, tenemos a cuatro megacorporaciones, que son las que dominan la tierra, en una continua guerra por los pocos recursos que nos quedan.
En medio de una batalla, entre dos de las más poderosas corporaciones, despiertan una raza de maquinas y mutantes, que dormitaba bajo la tierra, y que siglos atrás, habían causado estragos entre los humanos, casi aniquilando la raza humana.
Esta vez, al igual que hace siglos, la humanidad; y en concreto un pequeño grupo de hombres y mujeres, a las ordenes de un hombre religioso, perteneciente al único culto que conocía la existencia de esta raza depredadora; se volverá a unir, a pesar de sus diferencias, para luchar contra un mal mayor.

Al igual que Avalon de Mamoru Oshii, y Sky Captain de Kerry Conran, The Mutant Chronicles, crea un fascinante universo alrededor de la historia (basado, por lo que parece, en un juego de rol, que desconocía por completo).
Una ambientación de un mundo oscuro y sin vida, un mundo desolado por la guerra y la falta de recursos en la tierra, un mundo repleto de maquinas y naves de vapor, un mundo tanto con armas futuristas y retro, y con uniformes a lo primera guerra mundial, un mundo en donde se aplica ciertas ideas y conceptos de la guerra fría, …….
Y a pesar de los pocos recursos que se tiene para ello, se resuelven con imaginación, más o menos, satisfactoriamente, efectos, que ya por si, “chocan” al espectador menos abierto al género, y a las nuevas tecnologías y experimentos visuales.

Muchas referencias, y mucha ambición tiene esta película, y puede que, en más de una ocasión, la hagan parecer ridícula, pero se solventa rápidamente (si se va dispuestos a perdonarles los fallos), tanto por la pasión que está hecha la película, como por los dos protagonistas de la película, Ron Perlman y Thomas Jane, que con su carisma particular (mas que calidad interpretativa, que todos sabemos que no tienen mucha), hacen creíble, tanto la historia, como sus personajes poco desarrollados y profundizados. Sobretodo Jane, el héroe de la película, un héroe a lo Plissken Snake (salvando las distancias claro), cínico y chulesco, que se ve forzado a salvar el mundo, cuando el no cree ni en el heroísmo, ni en la salvación de este.
Jane, es un actor, que me cayó en gracia en Deep Blue Sea, y después, y sobre todo, en Punisher, un actor, que quizá se toma demasiado en serio (cree, demasiado, en los proyectos que se mete) y a pecho, algunas de sus películas (vamos, un friki de cuidado); y en donde no le importa “ensuciarse”, o no ser el típico héroe (véase en la reciente y estupenda, The Mist).

Los demás actores, realizan su función, Devon Aoki (Sin City), Anna Walton (Hellboy II), ……… Pero cuidado, no os dejéis engañar, John Malkovich, no sale más de cinco minutos, que hay en diversas webs y blogs de cine, que se nombra a este actor como si fuera uno de los principales, incluso, nombrándole a él, y no a Thomas Jane O.o.

En cuanto a la dirección, Simon Hunter, tiene muchas ideas, y muy buenas, que plasma de manera acertada en algunas ocasiones y fallida en otras. Hunter, está muy influenciado por los videojuegos, en más de una ocasión tenía la sensación que estaba ante una sucesión de presentaciones y videos de un videojuego, en ocasiones bien conectadas, aunque en otras mal.
Pero esto ya no es todo culpa suya, sino del guionista, Philip Eisner, artífice del guion de Event Horizon de Paul W.S. Anderson, otra película con numerosas referencias, e ideas, que al igual que esta, no acababan de cuajar del todo, ni tener la profundidad que podría dar de sí, tanto en la historia, como en los personajes.

The Mutant Chronicles, es una hilarante película, con toques gore, y un ritmo ágil, que se merece una oportunidad, por lo menos, por los amantes del género, y si es en cine mejor.
Pero vuelvo a repetir, que esta película solo es para aquellos que estén preparados y dispuestos, a disfrutar de un entretenimiento de serie B, y a perdonar o mejor dicho, obviar, sus fallos. Y por último, mejor, verla sin ningún tipo de expectativas (vamos estilo Doomsday de Neil Marshall).


Puntuación 7.5/10

SCHOOL IN THE CROSSHAIRS

Película de culto japonesa de los 80 basada en una novela de Mayumura Taku, considerado uno de los más importantes escritores de ciencia ficción.
Esta novela ha tenido muy diversas y dispares adaptaciones, pero esta es considerada una de las mejores, y en parte es gracias a la dirección de Obayashi Nobuhiko (The Little Girl Who Conquered Time) y la presencia de Yakushimaru Hiroko, una de las mayores estrellas de la época, una joven idol que marco una generación y que aún se mantiene en el firmamento como actriz en películas como Always - Sunset on Third Street.

Yuka es una estudiante normal y corriente que destaca en el instituto por su simpatía, vitalidad e inteligencia, por lo que es muy querida por todo el mundo, en especial de su mejor amigo, Kohji. Sus vidas siguen la rutina de cualquier estudiante, hasta que un día, Yuka, descubre que tiene poderes. Al principio no le dará mucha importancia, y los utilizara para cosas frívolas, hasta que un día se le presenta un individuo de lo más estrafalario y llegara a su instituto una chica nueva, que los deberá utilizar para cosas más trascendentales.



Como ya he comentado Obayashi Nobuhiko es el director de esta película, director que posteriormente realizo The Little Girl Who Conquered Time, con la que comparte más de un elemento, el joven del que se enamora la heroína de la historia está protagonizado por el mismo actor, Ryôichi Takayanagi, la historia ligera de ciencia ficción de dos amigos de la infancia que están enamorados, ……. Pero en donde se ve mayor semejanza, es en la mano del propio director, su realización técnica, tanto en la forma de estar rodada, como en los psicotrópicos efectos especiales (si esos que envejecen tan mal).
Todo ello no quiere decir que tengamos ante nosotros la misma historia o película, nada más lejos, esta destaca por encima de su obra posterior, y es gracias, a la frescura y carisma de Hiroko, y, a ciertos temas, políticos (dictaduras, rebeldía), sociales (los jóvenes tiene que ser algo mas que maquinas de estudiar, deben pensar por sí mismos, y disfrutar del presente) y filosóficos (la humanidad merece el libre albedrio y ser salvada) que desprende la película.



Un excelente film con ciertos toques de ciencia ficción, en donde el romance y el drama juvenil, la filosofía y la política, se combinan a la perfección, dando de si una entrañable y adorable película, que viendo el resultado de la versión animada de The Girl Who Leapt Through Time de Mamoru Hosoda, ojala se hiciera con esta lo mismo.
La única pega que pondría a la película son esos efectos especiales que ya que comentado, y ciertos toques excéntricos, como ciertos personajes secundarios, los malos histriónicos, y alguna que otra escena, como la parte del número musical; que aunque están fuera de lugar, rápidamente olvidas (o te adaptas a ellos, y disfrutas), por el excelente resultado final de la película.


Puntuación 7/10

ULTIMATUM A LA TIERRA.

Mira que hacía años que no veía esta película, supongo que la vi en aquel programa de Gorina que tomaba como titulo una da las más famosas y celebres frases del cine de ciencia ficción, uppss!!!, mira por donde de esta misma película, klaatu barada nikto. Mi idea de esta película era tan vaga que la confundía con otra que aun no he llegado a recordar cual era (algún día la vere en estos revisionados, y me quedare tranquila).

!Pero que me voy por las ramas!. Como siempre.

Esta película de Robert Wise de 1951 basada en un relato de Harry Bates, empieza cuando una nave espacial aterriza en Washington D.C. y de ella sale un extraterrestre flanqueado por un amenazador robot con una capacidad destructora increíble.
Tras ver rechazados sus esfuerzos por reunirse con los líderes mundiales para prevenirles del fin inminente de la Tierra, el extraterrestre Klaatu se lanza a la calle. Sólo una bella joven, su hijo, y un ilustre científico responden a la petición de paz de Klaatu, mientras que el resto de la humanidad reacciona con desconfianza, miedo y violencia.

Como buena película de ciencia ficción estadounidense de la época, en ella se refleja muchos de los miedos de la época, amenazas procedentes de otros mundos como reflejo al miedo de la invasión comunista, y el miedo al poder militar y en concreto a la bomba atómica; por lo que sirve como muchas más de su generación, como un buen documento histórico, fábula antinuclear y antibelicista, y critica política y social.
Sera de la mano de Michael Rennie del que nos vengan dichos discursos, él es el encargado de interpretar con creces su rol de emisario extraterrestre que viene en son de paz y a advertirnos de nuestra “estupidez” como raza autodestructiva.

En apartado técnico la película es soberbia, tanto en la dirección de Wise, como la banda sonora de Bernard Herrmann, y la fotografía que aporta una atmosfera oscura e angustiosa.

Una buena película de ciencia ficción, que demuestra que con una buena historia se pueden obviar los efectos especiales (aun así, me parecen estupendos, a pesar de la época), y que en su “espíritu” no ha envejecido para nada, y sigue siendo igual de inquietante y fascinante.


Puntuación 7/10

La semana de parásitos (LA COSA)

Que mejor que empezar este especial semanal que con esta película, una que definiría perfectamente el “género” que he escogido dentro del cine de terror (no existe tal genero, pero me lo invento XD, para englobar determinadas películas que por alguna razón u otra he decido ver durante estos días). Consistiría en esa clase de películas que un ser de otro planeta (por regla general) en forma normalmente de insecto, larga o algo por el estilo, se introduce dentro del cuerpo humano, les transforma tanto físicamente como mentalmente, o no, y sale posteriormente de una forma abrupta, violenta y sanguinolenta, que suele acabar con la vida del huésped.

Esta película que data de 1982, es de las mejores y mejor elaborada de uno de los maestros del terror, John Carpenter (aunque no estaría entre los primeros puestos de mis favoritas del director), y una de esas excepciones, en cuanto a remake que es superior a su original, El enigma de otro mundo de 1951, asemejándose más a la obra original literaria de John W. Campbell.

Como es típico en el cine de Carpenter, no estamos ante héroes, los personajes se enfrentan a una amenaza “exterior” pero no de forma heroica, sino para sobrevivir, llegando a desconfiar entre ellos, antes de comportarse como héroes y colaborar conjuntamente, ya que no pueden distinguir el “mal”, pues puede imitar el aspecto de toda forma de vida.

La película es bastante violenta y grotesca, en sangre y las transformaciones, sin mucha sutileza, por lo que en la época, algo edulcorada por extraterrestres “monos” (véase ET), fue un total fracaso tanto en critica como en público, pero, como no, ha acabado convirtiéndose en una obra de culto, y siendo considerada una de las mejores películas del género y del director.
Pero todo este “gore” no está de más, sino que está al servicio de la película, creando a la perfección los violentos, inquietantes, desconcertantes e impactantes momentos que sufren nuestros protagonistas, y esto es, gracias a un elaborado e inteligente guion, la buena puesta en escena de Carpenter, y , sobre todo, a las magnificas criaturas creadas por Rob Bottin.

En cuanto al reparto, el actor fetiche del director, el infravalorado Kurt Russell, que tantos buenos e inolvidables personajes ha dado al cine, de la mano en especial de Carpenter, y que aquí vuelve a demostrar su talento y carisma, Le secundan un buen grupo de actores con talentos, que dan a unos personajes algo estereotipados, una gran distinción.

Una perturbadora y angustiosa película que no ha envejecido en absoluto, que nos dejara atónicos en cada aparición de la criatura, y nos atrapa en todo momento y desde el principio, por su inquietante y trepidante ritmo.


Puntuación 8/10

La semana de Sonny Chiba (THE GOLDEN BAT)

Continuamos con este especial Sonny Chiba, con una bizarrada, de esas que no esperas a ver a un actor como en, en ellas. Una delirante película de ciencia ficción japonesa de los años 60, en la que interpreta a un científico de las naciones unidas, que junto a unos colegas de profesión, intentaran impedir una catástrofe planetaria provocada por unos malvados marcianos. Para ello contaran también, con la ayuda de un misterioso “superhéroe”, el murciélago dorado.


Si te dejas llevar, puedes disfrutar de esta película rodada en blanco y negro, al puro estilo Ed Wood, en donde podemos ver, a malvados vestidos como un sacos, a destacar el líder que parece llevar una especial de traje de trapo de oso; bases secretas en montañas y naves a lo Thunderbirds; rayos laser; un occidental (el jefe de la investigación) doblado al japonés, ….. y al héroe de la película, basado en un manga de los años 30, por cierto, Murcielago Dorado, una especie de Craneo Rojo de la Marvel mezclado con Fantasma de la Opera, que aparece y desaparece, no dejando a ningún villanos con vida, a son de su propia carcajada siniestra, al estilo La Sombra.



Todo esto en poco más de hora y diez, ver para creer.


Puntuación: De nuevo me es muy difícil valorar esta clase de películas, me lo paso pipa, y es que dentro de lo que cabe, de sus intenciones y de lo que es, es buena, pero fuera de ello, no.

La semana de Sonny Chiba (SONNY CHIBA´S DRAGRON PRINCESS / KARATE WARRIORS)

GRINDHOUSE: Doble Chiba!

A raíz del Grindhouse de Robert Rodriguez y Quentin Tarantino, formado por sus películas, Planet Terror y Deathproof, en USA, se aprovecho pare editar diversas películas de esas que formaban los programas dobles de los que tanto disfrutaron estos dos extraordinarios directores, y homenajean en dichas películas.
Sonny Chiba es el protagonista de varios de esos programas dobles, en donde no pueden faltar los tráilers, musiquita inicial de Grindhouse, los anuncios de mantener limpio el cine, ……. y la cierta mala calidad (aunque mejor de lo que pensaba) en imagen y sonido (que le da cierto encanto). Uno de ellos, el formado por Sonny Chiba´s Dragon Princess y Karate Warriors, es el que paso a comentar, pero antes de empezar comentar que estas películas están dobladas al ingles, sin ningún tipo de subtitulo a mano, así que puedo valorarlas hasta cierto punto, ya que mi ingles no es muy bueno que digamos.

Sonny Chiba´s Dragon Princess

A pesar que Sonny Chiba es un simple secundario, pasando de nuevo el legado a Etsuko Shihomi, (Sister Street Fighter entre otras), esta tiene el suficiente carisma y la película ofrece, una buena dosis de peleas espectaculares y acción intensa, para hacernos olvidarnos de su ausencia.

La historia típica y con sus tópicos en el género en las que la venganza es el hilo central de la película. Chiba interpreta a un maestro de Karate al que vences de manera fraudulenta en una pelea, en la que acaba perdiendo el ojo, el brazo y la autoestima. Tras esta pelea huye a Estados Unidos con su hija, a la que entrenara para que se vengue por él.

La dirección es correcta, la historia lo suficientemente interesante, por lo que junto lo anteriormente comentado, tenemos una película perfecta para los amantes del cine de acción y artes marciales de los setenta.

Puntuación 7/10

Karate Warriors

A diferencia de la anterior película me he perdido en muchas ocasiones en la historia (o quizá porque estaba demasiado cansada (dos películas seguidas por muy cortas que sea, hora y media, quizá ha sido mucho) para la concentración necesaria y el esfuerzo que me causa entender el ingles), a pesar de su “simpleza” (que por ello he entendido más que de sobra la trama) y por tanto se me ha hecho bastante pesada, y no puedo valorarla como toca, pero daré una primera impresión, y si algún día consigo subtítulos o la editan en nuestro país, completare esta reseña.

En esta película a camino entre Yojimbo y Lobo Solitario y su cachorro, nos cuenta la historia de Chiba llegando a una ciudad en la que hay una pelea despiadada entre dos bandas rivales por un botín escondido. Este empezara a juagar con las dos bandas, con la intención de hacerse con el botín para sí mismo.

En esta película volvemos al cine que le hizo más famoso, una película repleta de peleas violencia y sangre, de sexo, coreografías impresionantes, ……. a ver a un Chiba fabuloso interpretando a un papel más oscuro, un antihéroe, ……

La dirección corre a cargo de Kazuhiko Yamaguchi (Sister Street Fighter) y es bastante impactante, con cámaras lentas y ángulos imposibles, para dar más fluidez y espectacularidad a las escenas de acción.

Puntuación ¿¿¿ 6/10???